La Bauhaus Al finalizar la Primera Guerra Mundial, el Káiser abdicó y se formó una república con la capital en Weimar, la cual tuvo que negociar la paz con sus enemigos de fuera y de dentro. Y los alemanes que estaban en los campos de batalla confiados en su superioridad moral, volvieron de ellos vencidos y traicionados. En el caos del mundo existía en alemán la esperanza de que pudiera crearse un nuevo orden por medio de un arte nuevo. Y es hay donde W. Gropius llamó a la unificación de las artes, pero había la ausencia de una república alemana convincente.
La Bauhaus, que significa en Aleman "Casa de la Construcción" fue fundada por Walter Gropius en 1919 en Weimar después de la primera guerra mundial, es la unión de Escuela Ducal de Artesanía y la Escuela Ducal Superior de Artes Plásticas. W. Gropius sostenía que el artista y el Arquitecto deben ser también artesanos, en los primeros años la enseñanza estaba constituida por un curso preparatorio de seis meses dedicado a prácticas de taller con diversos materiales: piedra, madera, metal, barro, vidrio, colorantes y tejidos, juntamente con nociones de dibujo y modelado, era hay donde los estudiantes debían manifestar que material le resultaba más atrayente y para sería una mejor facilidad de trabajo. Para 1923 la Escuela era muy conocida, piden que construya una obra y deciden construir una casa familiar, de planta cuadrada, en la que varias habitaciones pequeñas se agrupaban alrededor de una mayor, esta obra recibió mucho elegíos por una gran cantidad de críticos. Pero eso no impidió la oposición de los conservadores los obligará a clausurarla, porque era considerada por muchos como de carácter socialista.
De está manera en abril de 1925 se disolvió la escuela. Pero ahora bien esto no detuvo a esta escuela y gracias a su reconocimiento logro seguir su labor pero esta vez en la ciudad de Dessau.
Es allí en donde se construyo el edificio de la escuela, un muy revolucionario y modernista, el cual contaba con tres edificios en forma de "L" cada uno. Es aquí donde la Escuela alcanza su mayor reconocimiento.
Es allí en donde se construyo el edificio de la escuela, un muy revolucionario y modernista, el cual contaba con tres edificios en forma de "L" cada uno. Es aquí donde la Escuela alcanza su mayor reconocimiento.
En 1928 Gropius deja de dirigir la Escuela, por recomendación del propio Gropius, le sucedió el arquitecto suizo Hannes Meyer, el cual lo hizo hasta 1930, luego continuo Mies van der Rohe. Luego en mil 1932 la Escuela es mudada a Berlín, en donde es cerrada por los nazis en 1933. Luego del cierre de la Escuela Alemania continuo en la crisis política que vivía desde alguno años, crisis que se empeoro con el inicio la Segunda Guerra Mundial. Aun después que la Escuela cerró todas sus enseñanzas siguieron en pie.
La Escuela sentó las bases de la arquitectura moderna, mediante todos los cátalos y publicaciones que muestran los productos como: sillas, camas, armarios de cocinas, prototipos de kioscos publicitarios, lámparas y tejidos con dibujos abstractos, los catálogos eran vendidos a las a las industrias.
Las nuevas tipografía creada por Herbert Bayer unas letras más pequeñas que las usadas normalmente.
Entre los profesores que estuvieron con la Escuela se destacan: Walter Gropius, los arquitectos Mies van der Rohe y Marcel Breuer; los artistas Lászlo Moholy-Nagy, Gyorgy Kepes y Josef Albers; reconocidos pintores como Paul Klee y Wassily Kandinsky; y la tejedora Anni Albers. Y el pintor y lipógrafo Herbert Bayer.
El Impulso Pedagógico e Intelectual
El impusol que supuso la Bauhaus para la moderna historia de la arquitectura, el diseño industrial y el diseño gráfico conceden a esta mítica institución el pleno derecho a reconocerle una de las mayores responsabilidades en el generalizado proceso de homologación profesional que en la década de los años veinte va a sufrir el diseño gráfico de carácter comercial y publicitario sustancialmente en Alemania. A pesar de este indiscutible liderazgo, justo es señalar que una pluralidad de intenciones y personajes totalmente ajenos al espíritu de la escuela forzaban desde diversos ángulos la urgencia de la definitiva clarificación y modernización de una actividad que, hasta aquel momento, se había producido desde patrones organizativos excesivamente espontáneos.
Para situar el proceso dentro de unas coordenadas equidistantes del derecho y la razón, conviene recordar que, en Europa, la renovación del diseño gráfico se produce básicamente en los campos de diseño tipográfico y en la evolución y aplicación de la fotografía como medio de representación en la comunicación de carácter publicitario. En este sentido, hay que precisar que la tipografía no se incluye como asignatura oficial en los cursos pedagógicos de la Bauhaus hasta su segunda época, en Dessau, a partir de 1925 y la sección de fotografía hasta 1929. En aquellas fechas, dos de los grandes renovadores del diseño y la composición tipográfica, Paul Renner y Jan Tschichold, repectivamente, están forcejenado ya con la nueva idea tipográfica desde posiciones bastente opuestas a la de la Bauhaus.
Asimismo, fotógrafos como René Ahrlé, a quien se atribuye el uso sistemático por primera vez, de la fotografía en la publicidad europea, nada tiene que ver con la escuela de Weimar. Por otra parte, la fuerza del nuevo movimiento fotográfico designado con el nombre de Nueva Fotografía, entre cuyos líderes cabe señalar a Albert Renger-Patzsch, o los singulares hallazgos de Man Ray y sus rayogramas (anteriores y similares a los experimentos desarrollados en la Bauhaus por Laszló Moholy-Nagy y Herbert Bayer en las exposiciones fotográficas vanguardistas organizadas en Alemania en la segunda mitad de los años veinte, son muestra de la inquietud de los profesores de la Bauhaus por participar de movimientos cuyo epicentro se halla lejos de Weimar o Dessau.)
El Constructivismo y la Escuela Rusa Durante la turbulencia de la Primera Guerra Mundial y de la Revolución Rusa, en Rusia hubo un florecimiento del arte creativo. Al mismo tiempo que caía el régimen zarista y se precipitaba la guerra civil, daba inicio el proceso que, tiempo después, consolidaría la Revolución en la Unión Soviética. El arte Ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico y la tipografía del siglo XX. La década iniciada en el año 1910 con las conferencias de Marinetti en Rusia, vio a los artistas de esa nación absorber las nuevas ideas del cubismo y del futurismo con una rapidez sorprendente para después continuar hacia diferentes innovaciones.
La vanguardia rusa tenía suficientes rasgos comunes con el cubismo y el futurismo para acuñar el término cubofuturismo. La experimentación en la tipografía y el diseño caracterizaron los libros y los periódicos de los artistas futuristas, presentando trabajos por medio de la comunidad artística, visual y literaria. Simbólicamente, los libros futuristas rusos fueron una reacción contra los valores de la Rusia zarista. La utilización de papel rústico de métodos de producción artesanal y de agregados hechos a mano expresaba la pobreza de la sociedad campesina. Kasimir Malevich (1878-1935) fundó un estilo de pintura de formas básicas y de color puro al que llamó suprematismo.
Después de trabajar a la manera del futurismo y del cubismo, Malevich creó una abstracción geométrica elemental que era nueva, no objetiva y pura. Rechazaba tanto la función utilitaria como la representación gráfica, ya que Malevich buscaba "la expresión suprema del sentimiento, sin buscar valores prácticos, ni ideas, ni la tierra prometida". Pensador lógico con un conocimiento lúcido, Malevich se dio cuenta de que la esencia de la experiencia artística es el efecto perceptivo del color. Para demostrarlo, en el año 1913 Malevich expuso un cuadrado negro pintado sobre un fondo blanco. ƒ afirmaba que el sentimiento evocado por este contraste era la esencia del arte.
El movimiento fue acelerado por la Revolución, pues se concedió al arte un rol social que raramente se asignaba. Los artistas revolucionarios se habían opuesto al viejo orden y al arte visual conservador. En el año 1917 pusieron sus energías en la propaganda masiva para poder apoyar a los bolcheviques. Pero para el año 1920, surgió una división ideológica concerniente a la función del artista dentro del nuevo Estado Comunista. Algunos artistas como Malevich y Vassily Kandinsky (1866-1944), suponían que el arte debía permanecer como una actividad de las necesidades utilitarias de la sociedad. El Estado, los sistemas económicos y políticos perecen, las ideas se desmoronan bajo el peso de los años.
La compresión de nuestras percepciones del mundo dentro de las formas del espacio y del tiempo es el único objetivo de nuestro arte plástico y gráfico. Guiados por Tatlin (1885-1953) y por Alexander Rodchenko (1891-1956), en el año 1921, 25 artistas propusieron un punto de vista contrario, cuando renunciaron "al arte por el arte" para consagrarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista. Estos constructivistas hicieron un llamado a los artistas para que dejaran de producir cosas inútiles y se volviera hacia el cartel, porque tal trabajo pertenece ahora al deber del artista, como ciudadano de una comunidad que está barriendo el campo de viejos desperdicios, para prepararse para una vida nueva. Tatlin cambió de la escultura al diseño de una estufa que daría el máximo de calor como un mínimo de combustible; Rodchenko abandonó la pintura por el diseño gráfico y el periodismo fotográfico.
Uno de los primeros intentos para formular una ideología constructiva fue el folleto Konstruktivizm del año 1922, de Aleksei Gan (1893-1942). En e lcriticaba a los pintores abstractos por ser capaces de romper el cordón umbilical del arte tradicional y se jactaba de que el constructivismo se había trasladado del trabajo de laboratorio a la aplicación práctica. Gan escribió que los tres principios del constructivismo son la arquitectura, la textura y la construcción. La arquitectura representaba la unificación de la ideología comunista con la forma visual. La textura significaba la naturaleza de los materiales y cómo son empleados en la producción industrial. La construcción simboliza el proceso creativo y la búsqueda de leyes de organización visual. Quien mejor llevó a cabo el ideal constructivista fue El (Lazar Markovich) Lissitzky (1890-1941) pintor, arquitecto, diseñador gráfico y fotógrafo. Este visionario de energía y constancia inagotables influyó profundamente en el curso del diseño gráfico. En el año 1919, Marc Chagall, director de la Escuela de Arte en Vitebsk, invitó a Lisstinzky a unirse al cuerpo de profesores.
Malevich daba clases ahí y se convirtió en la influencia más importante para Lisstinzky, quien desarrolló un estilo de pintura al cual denominó PROUNS (abreviatura de "proyectos para el establecimiento -afirmación- de un arte nuevo"). En contraste con la llanura absoluta del plano pictórico de Malevich, PROUNS introdujo ilusiones tridimensionales que, al mismo tiempo, se alejaban de atrás del plano pictórico y se proyectaban hacia delante del plano pictórico (en cuanto a la profundidad positiva). Lissitzky llamaba PROUNS a "un estado de intercambio entre la pintura y la arquitectura". esto describe su síntesis de los conceptos de la arquitectura con la pintura; También muestra que el PROUNS señalaba el camino para la aplicación de los conceptos de la forma y del espacio en la pintura moderna al diseño aplicado. Al rebelarse contra las restricciones de la tipografía metálica, Lissitzky utilizaba a menudo la construcción con instrumentos de dibujo y maqueta para realizar sus diseños. En el año 1925, predijo acertadamente que el sistema de Gutemberg pertenecía al pasado y que los procesos fotomecánicos reemplazarían a los tipos de metal y abrirían nuevos horizontes para el diseño, tal como la radio había reemplazado al telégrafo.
Uno de los diseños gráficos de mayor influencia en los años veinte es el libro "Los istmos del arte 1914-1924", el cual fue editado por Lissitzky junto con el dadaísta Hans Arp. El formato desarrollado por Lissitzky para este libro constituye un paso importante en la creación de un programa visual par ordenar la información. La red de tres columnas utilizada para el texto, la red horizontal de tres columnas empleada para la portada y la estructura a dos columnas de la página de contenido se convirtió en un armazón arquitectónico para organizar las páginas ilustradas. Asimismo, la forma en que la tipografía sans-serif y las barras están tratadas es una expresión temprana del estilo modernista. En 1923, dio comienzo una batalla de 18 años contra la tuberculosis.
Después de regresar a Rusia en el año 1925. Lissitzky pasó la mayor parte del tiempo en grandes proyectos de exposiciones para el gobierno soviético, además de publicaciones, dirección artística y algunos proyectos de diseño arquitectónico. Lissitzky murió en diciembre de 1941, seis meses después de que Alemania invadiera Rusia. Por medio de su responsabilidad social y el compromiso con su pueblo, de su dominio de la tecnología para servir a sus propósitos y de su visión creativa. El Lisstzky estableció una pauta de excelencia para el diseñador. El inicio del fotomontaje en Rusia coincidió con el descubrimiento del montaje en la película cinematográfica y compartió parte de su vocabulario. Mostrar acciones simultáneas; sobreponer imágenes; usar acercamientos extremos e imágenes en perspectiva, a menudo juntos; y la repetición rítmica de una imagen constituyeron algunas de las técnicas comunes a ambos lenguajes. El concepto de la pintura en serie era aplicada por Rodchenko dentro del diseño gráfico en el año 1924.
Aunque el constructivismo persistió como una influencia en los gráficos soviéticos y el diseño industrial, pintores como Malevich, que no abandonó el país, fueron arrastrados a la pobreza y la obscuridad. Algunos artistas desaparecieron en el Gulag. Las innovaciones de este florecimiento artístico encontraron su desarrollo ulterior en Occidente. Sin embargo, la naturaleza del espíritu creativo tal, que a pesar de la estricta desaprobación oficial, el diseño gráfico innovador de la tradición constructivista continuó apareciendo de vez en cuando.
Arriba: modelo de un cartel
El Cartel
Un cartel, afiche o póster es una lámina de papel, cartón u otro material que sirve para anunciar o dar información sobre algo.
En la distribucion de los carteles, se colocan tanto en tienda como en el escaparate (en ocasiones, incluso, en el exterior) con el fin de anunciar precios de artículos u ofertas en marcha. Los carteles también se utilizan para colocar el nombre de departamentos y secciones con el fin de orientar a la clientela. En ambos casos, suelen incluir el logotipo y los colores corporativos de la cadena de distribución.
Los carteles se usan en merchandising para divulgar y apoyar campañas dentro del establecimiento tales como Rebajas, Semana Fantástica, Día del Padre, etc. Generalmente, se colocan pegados en las paredes, muebles o cabeceras de góndola, sobre pies metálicos o colgados del techo.
Los carteles también sirven para anunciar espectáculos o eventos culturales tales como:
conciertos
recitales
encuentros deportivos
circo
películas de cine
obras de teatro
ferias
exposiciones
corridas de toros
conciertos
recitales
encuentros deportivos
circo
películas de cine
obras de teatro
ferias
exposiciones
corridas de toros
En dichos casos, se encolan en las paredes de los edificios donde tendrán lugar el acontecimiento u otros lugares de la ciudad habilitados al efecto. También existe una larga tradición de cartelería política que alcanza su máxima expresión en vísperas de unas elecciones en las que la ciudad se llena de láminas con fotos de los candidatos.
Los carteles políticos se empezaron a utilizar masivamente a partir de la Revolución Rusa y alcanzaron su máximo auge en España durante la República (1931-1939) y la Guerra Civil (1936-1939). En ella destacaron creadores como Carles Fontseré, Bardasano, Josep Renau y otros muchos, dando lugar al nacimiento de toda una técnica pictórica, propagandística y publicitaria desconocida hasta entonces en España.
El cartel luminoso
Cartel que se ilumina en la oscuridad por una serie de tubos de neón colocados dentro de una carcasa plástica. Dicho soporte traslúcido reproduce en varios colores el logotipo, la marca y otros mensajes gracias a la luz interior.
Los carteles luminosos son propios de las fachadas de establecimientos si bien también se encuentran en su interior promocionando sus productos o servicios. Son especialmente habituales en bares y restaurantes de comida rápida en donde informan de los menús, precios, ofertas, etc. La iluminación de imágenes también se ha vuelto habitual gracias al perfeccionamiento de la reproducción fotográfica sobre policarbonatos y otros materiales.
Los carteles luminosos pueden colocarse en diferentes posiciones:
Pegados al muro o la fachada del establecimiento, generalmente sobre la puerta
Perpendiculares a la fachada sujetos a ella por un soporte metálico.
Perpendiculares a la fachada sujetos a ella por un soporte metálico.
Sus luces superpuestas conforman el paisaje habitual de muchas avenidas comerciales en el mundo.Formando esquina sobre la pared del establecimiento.
Independientes en forma de monolito luminoso.
Independientes en forma de monolito luminoso.
Por tener el mismo principio, también se pueden considerar carteles a las imágenes iluminadas colocadas en el frontal de las máquinas expendedoras de bebidas, tabaco, alimentos, etc. y que se encuentran en numerosos establecimientos y lugares públicos. Estadísticas demuestran que un cartel es totalmente visualisado en un lapso de 12 segundos, por lo que un cartel complejo y errado en su diseño sería aquel que demande más de ese tiempo en ser comprendido.
El estilo eclectico en Europa 1870-1900
Durante las primeras Exposiciones universales de Londres (1851), Paris (1867), Viena (1873) y Filadelfia (1876), aparece una nueva visión del arte del mueble influenciada por las ideas del movimiento filosófico-espiritualista de Víctor Cousin.
Víctor Cousin (1792-1867) Filósofo idealista de la burguesía francesa, ecléctico. Afirmaba que cualquier sistema filosófico puede ser creado a base de «verdades» contenidas en diversas doctrinas. El Eclecticismo entonces se propone construir un sistema suficientemente amplio y vago para incluir, o para no excluir.
El eclecticismo, término tomado en la crítica y en el arte para denominar a un artista o estilo que combina rasgos tomados de varias fuentes, se implanta en Rusia a partir de 1825, con copias góticas de contenido orientalista. En Inglaterra, a partir de 1840, aparecen diferentes formas de revivals, el gótico revival es un estilo neogótico, aparecen también el estilo naturalista y el estilo Luís XIV, que es una especie de hibrido entre el rococó acolchado mezclado con formas naturalistas (motivos florales), el estilo egipcio revival, no es mas que un estilo Imperio disfrazado, muebles de influencia isabelina, mezclas de William and Mary, de Queen Ann. Entre 1890-1900 bajo la influencia de artistas como Burne-Jones subsiste durante algunos años un estilo céltico inspirado en la Edad Media, preludio y antesala del movimiento que surgiria posteriormente, el “Art and Crafts” Edward Burne-Jones, nacido en 1833 y fallecido en 1898, está considerado como uno de los pintores más personales y sugerentes del siglo XIX inglés.Desarrolló una visión medieval y romántica de la pintura, además de colaborar con William Morris en el diseño de vidrieras, tapices e ilustraciones editoriales.Estudió en Oxford, donde encontró a Morris, con el que le uniría una amistad que se prolongó toda su vida. En 1856 dejó Oxford sin acabar sus estudios y montó taller junto con su amigo.
En Alemania, el eclecticismo se inspira en el gótico, combinando aspectos decorativos con el rococó del siglo XVIII. Austria adopta tendencias del estilo Luis XV, incrementando los apliques de bronce, torneados y dorados de manera exagerada. En loa Paises Bajos, los ebanistas imitarán los muebles del siglo de oro y sobre todo, los grandes armarios marqueteados ricamente. Italia se acerca al estilo Luis Felipe, después se pasa al astiche renacentista a través de un estilo llamado dantesco
En España, se tienen las mismas dificultades que el resto de Europa para deshacerse de las influencias del estilo Imperio, el eclecticismo entra a través del estilo isabelino, que imita al gótico. El movimiento ecléctico, influenciado o historicista abarcara mas de un cuarto de siglo de éxito en todo el mundo, por eso este movimiento artístico eliminara los nombres de monarcas o regimenes políticos para denominar a los estilos decorativos, no volverán a nombrarse en el futuro. Analizando la composición de los muebles eclécticos, estos utilizan toda clase de maderas, ya sean doradas, pintadas, patinadas, etc. Materiales como los bronces dorados y plateados, esculturas, esmaltes, vidrio, lacas, marquterias, incrustaciones de marfil, piedras duras son utilizados normalmente, se empieza a trabajar con materiales de oriente como el rattan y fibras naturales.
El moviento del Arts and Crafts
Arts and crafts (artes y oficios) es un movimiento social y estético surgido en Inglaterra a finales del siglo XIX, que pretendía rescatar la importancia de lo artesanal frente a la creciente mecanización y la producción en serie. Su denominación procede de la “Arts and Crafts Exhibition Society” fundada en 1888, pero el movimiento artístico tuvo sus bases en las ideas de John Ruskin (1819-1900).
El critico de arte más influyente de su época, Ruskin pertenecía a la corriente romántica en su concepción de artista como profeta y maestro inspirado. Abogaba por un renacimiento del gótico y se puso en contra de los efectos de la revolución industrial. Influenciado por el arte gótico, publico una enorme cantidad de libros sobre literatura, pintura, arquitectura, escultura, estética y otros muchos sobre temas sociales. Sus ideas se popularizaron a través de sus libros e influyeron en el movimiento modernista naciente llamado Arts and Crafts, que empezaba a caracterizarse por un retorno a la naturaleza, formas graciosas, onduladas, delicadas, donde frecuentemente se ven reflejadas las formas de la naturaleza en flores, insectos, aves, peces e incluso en animales mitológicos como los dragones.
Diseñadores
WILLIAM MORRIS 1834-1896
El estilo arts and crafts deploraba la estética de la industrialización, así como sus efectos sociales. Revindicaba nostálgicamente los modelos de artesonado de los gremios medievales, el encargado de llevar sus ideas a la práctica y al que siguieron infinidad de artistas y diseñadores, fue el metódico y genial William Morris (1834-1896). Escritor, pintor, diseñador, artesano y reformador social ingles. Morris emprendió la tarea de recrear una industrial manual en la era de la maquina, produciendo su empresa “Morris and Company” telas, tapices, papeles pintados y muebles.
El estilo arts and crafts deploraba la estética de la industrialización, así como sus efectos sociales. Revindicaba nostálgicamente los modelos de artesonado de los gremios medievales, el encargado de llevar sus ideas a la práctica y al que siguieron infinidad de artistas y diseñadores, fue el metódico y genial William Morris (1834-1896). Escritor, pintor, diseñador, artesano y reformador social ingles. Morris emprendió la tarea de recrear una industrial manual en la era de la maquina, produciendo su empresa “Morris and Company” telas, tapices, papeles pintados y muebles.
MACKAY HUGH BAILLIE SCOTT (1865-1945)
Uno de los exponentes del movimiento fue MACKAY HUGH BAILLIE SCOTT la carrera de Mackay empezó en la universidad agrícola de Cirencester, pronto decidió abandonar la tradición familiar de agricultores-ganaderos y eligió en su lugar estudiar arquitectura. Asumió pronto las directrices del movimiento “arts and Grafo” e influyeron en sus comienzos las ideas de William Morris y Ruskin. Después forjo su propio estilo distintivo, sobre todo a raíz de su matrimonio con Florenze, su diseño es una reacción a los cambios rápidos del momento, a la producción en masa y a la industria. Se inspiro del arte gótico y de la artesanía
Baillie scout describió a su clientela como “gente con sensibilidad artística pero de renta modesta” con esta idea inventó un nuevo tipo de vivienda espaciosa y armoniosa. Su interés por el diseño condujo a Baillie a producir muebles, telas,..e incluso los pianos para que armonizaran con el interior. Tuvo enorme éxito en Europa y durante su carrera le comisionaron para diseñar edificios, incluyendo la decoración del palacio de Hesse en Damstad, Acabo su carrera diseñando casas modestas en los suburbios britanicos.
Otro de los diseñadores representativos del movimiento arts and crafts fue PHILIP WEBB (1831-1915), arquitecto britanico, fue uno de los principales exponentes del movimiento "domestic revival". En su produccion destacaron la construccion de casas de campo en particular la "Red House" en Uptón (Kent) para W.Morris, que pone de manifiesto su adhesion a las teorias del Movimiento Arts and Grafts. Con William Morris fundó la sociedada para la protección de edificios antiguos (SPAB),diseño para Mprris tanto muebles como accesorios y todos los complementos de arquitectura.
Las formas de los muebles eran sencillas y verticales y hechas aplicando técnicas de ebanistería tradicional. Se utilizaban maderas nacionales, especialmente roble, que era encerado y se dejaba añejar naturalmente. Aparadores, cómodas y muebles similares eran decorados habitualmente de un modo sencillo, con formas recortadas, a veces embellecidas con peltre, cobre, marfil o cuero.Los bancos largos con respaldo alto y brazos eran el estilo de asiento preferido, al igual que las sillas rectas con altos respaldos y decorados con motivos recortados.
Principios de las Arts and Crafts
En el movimiento Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos éticos y políticos, tanto como estéticos. Destaco algunas de sus ideas:
· Rechazo de la separación entre arte y artesanía.
· Rechazo de los métodos industriales de trabajo.
· Propuesta de un regreso al medievo, en todas las artes aplicadas.
· La arquitectura como centro de todas las actividades del diseño.
· Agrupación de artesanos en gremios y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.
· Trabajo bien hecho, bien acabado y satisfacción tanto para el artista como para el cliente.
· El artesano es artista y un creador de obras de arte.
