Diario de diseño y elaboración de cursos en redes

Diario

La aplicabilidad de la Internet en la educación

A través del uso del Internet se posibilita, por primera vez en la historia de la educación que la mente quede liberada de tener que retener una cantidad enorme de información. Sólo es necesario comprender los conceptos sobre la dinámica de los procesos en las cuales una información está encuadrada, ello permite utilizar métodos pedagógicos con los cuales el alumno puede aprender más y mejor en un año lo que requería.

Ahora los docentes pueden destinar su esfuerzo y el de los alumnos en desarrollar más las capacidades mentales que les posibiliten a los estudiantes poder comprender adecuadamente la información y elaboración, logrando así una calidad superior de razonamiento.

Es de suma importancia que las personas que no estén capacitadas para manejar la variada información que pueden obtener en Internet, no podrán utilizar en forma optima este extraordinario instrumento, verán empobrecido el proceso de convertir la información en conocimiento. Respecto de la enseñanza formal la Internet puede ser útil de tres maneras:

1) Como apoyo a la enseñanza tradicional

2) Como complemento a ella

3) Como sustituto de esa enseñanza escolarizada o presencial.

La Internet como herramienta

Los profesores y los alumnos utilizan esta conexión al mundo de diversas formas, en primer lugar la Internet como una fuente inagotable de información y datos de primera mano, en donde puede encontrarse gran cantidad de información útil para las clases. En el caso de los estudiantes de escuelas distantes entre si utilizan la red como medio de comunicación para realizar proyectos en común, intercambiar datos sobre diferentes aspectos de su medio social o estudiar las diferencias y semejanzas culturales entre comunidades de diferentes países.

El aula virtual ofrece un entorno de enseñanza- aprendizaje basado en un sistema de comunicación mediada por un ordenador, es un espacio simbólico en el que se produce la interacción entre los participantes. Se trata de ofrecer a distancia posibilidades de comunicación que sólo existen en un aula real. Las tecnologías empleadas en diversas experiencias varían en función de los medios disponibles: desde la video-conferencia para algunas clases magistrales, el correo electrónico para la tutoría personalizada, el Chat para la comunicación en la coordinación de pequeños grupos a para la charla informal entre estudiantes, las herramientas de trabajo cooperativo y los servidores de información tipo WWW como bibliotecas de recursos.

Diseño y elaboración de cursos en redes

Glosario de Términos

SW-AP: Soft ware aplicativo

SW-OP: Soft ware operativo

HW: hard ware

Hacker: ladrón de información

Craker: roba información para destruir

Link: enlace para la web

Key logger: rastro que deja un hacker para saber todo lo que un usuario escribe

Zombie: rastro que deja un hacker para saber que hace el usuario cuando este se activa

Spamming: información basura o correo no deseado

Blog: pagina web que sirve para expresar mis ideas

Url: es la dirección

Pod cast: son notas de voz

Youtube: vídeos por demanda

Skypers: persona que habla y escribe en Internet

Blearning: estudiantes virtuales de aprendizaje

Flash driver: dispositivos externos

Emule: programa para bajar música

Taringa: para bajar información

Bloglines: son las noticias en la web

Wifi: internet en red

Wikipedia: enciclopedia libre

Google: buscador de informacion

Eduteka: pagina para hacer mapas mentales

Otros diseñadores del Arts and Crafts, El Cartel, La Bauhaus

La Bauhaus

Al finalizar la Primera Guerra Mundial, el Káiser abdicó y se formó una república con la capital en Weimar, la cual tuvo que negociar la paz con sus enemigos de fuera y de dentro. Y los alemanes que estaban en los campos de batalla confiados en su superioridad moral, volvieron de ellos vencidos y traicionados. En el caos del mundo existía en alemán la esperanza de que pudiera crearse un nuevo orden por medio de un arte nuevo. Y es hay donde W. Gropius llamó a la unificación de las artes, pero había la ausencia de una república alemana convincente.

La Bauhaus, que significa en Aleman "Casa de la Construcción" fue fundada por Walter Gropius en 1919 en Weimar después de la primera guerra mundial, es la unión de Escuela Ducal de Artesanía y la Escuela Ducal Superior de Artes Plásticas. W. Gropius sostenía que el artista y el Arquitecto deben ser también artesanos, en los primeros años la enseñanza estaba constituida por un curso preparatorio de seis meses dedicado a prácticas de taller con diversos materiales: piedra, madera, metal, barro, vidrio, colorantes y tejidos, juntamente con nociones de dibujo y modelado, era hay donde los estudiantes debían manifestar que material le resultaba más atrayente y para sería una mejor facilidad de trabajo. Para 1923 la Escuela era muy conocida, piden que construya una obra y deciden construir una casa familiar, de planta cuadrada, en la que varias habitaciones pequeñas se agrupaban alrededor de una mayor, esta obra recibió mucho elegíos por una gran cantidad de críticos. Pero eso no impidió la oposición de los conservadores los obligará a clausurarla, porque era considerada por muchos como de carácter socialista.

De está manera en abril de 1925 se disolvió la escuela. Pero ahora bien esto no detuvo a esta escuela y gracias a su reconocimiento logro seguir su labor pero esta vez en la ciudad de Dessau.
Es allí en donde se construyo el edificio de la escuela, un muy revolucionario y modernista, el cual contaba con tres edificios en forma de "L" cada uno. Es aquí donde la Escuela alcanza su mayor reconocimiento.

En 1928 Gropius deja de dirigir la Escuela, por recomendación del propio Gropius, le sucedió el arquitecto suizo Hannes Meyer, el cual lo hizo hasta 1930, luego continuo Mies van der Rohe. Luego en mil 1932 la Escuela es mudada a Berlín, en donde es cerrada por los nazis en 1933. Luego del cierre de la Escuela Alemania continuo en la crisis política que vivía desde alguno años, crisis que se empeoro con el inicio la Segunda Guerra Mundial. Aun después que la Escuela cerró todas sus enseñanzas siguieron en pie.

La Escuela sentó las bases de la arquitectura moderna, mediante todos los cátalos y publicaciones que muestran los productos como: sillas, camas, armarios de cocinas, prototipos de kioscos publicitarios, lámparas y tejidos con dibujos abstractos, los catálogos eran vendidos a las a las industrias.

Las nuevas tipografía creada por Herbert Bayer unas letras más pequeñas que las usadas normalmente.

Entre los profesores que estuvieron con la Escuela se destacan: Walter Gropius, los arquitectos Mies van der Rohe y Marcel Breuer; los artistas Lászlo Moholy-Nagy, Gyorgy Kepes y Josef Albers; reconocidos pintores como Paul Klee y Wassily Kandinsky; y la tejedora Anni Albers. Y el pintor y lipógrafo Herbert Bayer.

El Impulso Pedagógico e Intelectual

El impusol que supuso la Bauhaus para la moderna historia de la arquitectura, el diseño industrial y el diseño gráfico conceden a esta mítica institución el pleno derecho a reconocerle una de las mayores responsabilidades en el generalizado proceso de homologación profesional que en la década de los años veinte va a sufrir el diseño gráfico de carácter comercial y publicitario sustancialmente en Alemania. A pesar de este indiscutible liderazgo, justo es señalar que una pluralidad de intenciones y personajes totalmente ajenos al espíritu de la escuela forzaban desde diversos ángulos la urgencia de la definitiva clarificación y modernización de una actividad que, hasta aquel momento, se había producido desde patrones organizativos excesivamente espontáneos.

Para situar el proceso dentro de unas coordenadas equidistantes del derecho y la razón, conviene recordar que, en Europa, la renovación del diseño gráfico se produce básicamente en los campos de diseño tipográfico y en la evolución y aplicación de la fotografía como medio de representación en la comunicación de carácter publicitario. En este sentido, hay que precisar que la tipografía no se incluye como asignatura oficial en los cursos pedagógicos de la Bauhaus hasta su segunda época, en Dessau, a partir de 1925 y la sección de fotografía hasta 1929. En aquellas fechas, dos de los grandes renovadores del diseño y la composición tipográfica, Paul Renner y Jan Tschichold, repectivamente, están forcejenado ya con la nueva idea tipográfica desde posiciones bastente opuestas a la de la Bauhaus.

Asimismo, fotógrafos como René Ahrlé, a quien se atribuye el uso sistemático por primera vez, de la fotografía en la publicidad europea, nada tiene que ver con la escuela de Weimar. Por otra parte, la fuerza del nuevo movimiento fotográfico designado con el nombre de Nueva Fotografía, entre cuyos líderes cabe señalar a Albert Renger-Patzsch, o los singulares hallazgos de Man Ray y sus rayogramas (anteriores y similares a los experimentos desarrollados en la Bauhaus por Laszló Moholy-Nagy y Herbert Bayer en las exposiciones fotográficas vanguardistas organizadas en Alemania en la segunda mitad de los años veinte, son muestra de la inquietud de los profesores de la Bauhaus por participar de movimientos cuyo epicentro se halla lejos de Weimar o Dessau.)

El Constructivismo y la Escuela Rusa

Durante la turbulencia de la Primera Guerra Mundial y de la Revolución Rusa, en Rusia hubo un florecimiento del arte creativo. Al mismo tiempo que caía el régimen zarista y se precipitaba la guerra civil, daba inicio el proceso que, tiempo después, consolidaría la Revolución en la Unión Soviética. El arte Ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico y la tipografía del siglo XX. La década iniciada en el año 1910 con las conferencias de Marinetti en Rusia, vio a los artistas de esa nación absorber las nuevas ideas del cubismo y del futurismo con una rapidez sorprendente para después continuar hacia diferentes innovaciones.

La vanguardia rusa tenía suficientes rasgos comunes con el cubismo y el futurismo para acuñar el término cubofuturismo. La experimentación en la tipografía y el diseño caracterizaron los libros y los periódicos de los artistas futuristas, presentando trabajos por medio de la comunidad artística, visual y literaria. Simbólicamente, los libros futuristas rusos fueron una reacción contra los valores de la Rusia zarista. La utilización de papel rústico de métodos de producción artesanal y de agregados hechos a mano expresaba la pobreza de la sociedad campesina. Kasimir Malevich (1878-1935) fundó un estilo de pintura de formas básicas y de color puro al que llamó suprematismo.

Después de trabajar a la manera del futurismo y del cubismo, Malevich creó una abstracción geométrica elemental que era nueva, no objetiva y pura. Rechazaba tanto la función utilitaria como la representación gráfica, ya que Malevich buscaba "la expresión suprema del sentimiento, sin buscar valores prácticos, ni ideas, ni la tierra prometida". Pensador lógico con un conocimiento lúcido, Malevich se dio cuenta de que la esencia de la experiencia artística es el efecto perceptivo del color. Para demostrarlo, en el año 1913 Malevich expuso un cuadrado negro pintado sobre un fondo blanco. ƒ afirmaba que el sentimiento evocado por este contraste era la esencia del arte.

El movimiento fue acelerado por la Revolución, pues se concedió al arte un rol social que raramente se asignaba. Los artistas revolucionarios se habían opuesto al viejo orden y al arte visual conservador. En el año 1917 pusieron sus energías en la propaganda masiva para poder apoyar a los bolcheviques. Pero para el año 1920, surgió una división ideológica concerniente a la función del artista dentro del nuevo Estado Comunista. Algunos artistas como Malevich y Vassily Kandinsky (1866-1944), suponían que el arte debía permanecer como una actividad de las necesidades utilitarias de la sociedad. El Estado, los sistemas económicos y políticos perecen, las ideas se desmoronan bajo el peso de los años.

La compresión de nuestras percepciones del mundo dentro de las formas del espacio y del tiempo es el único objetivo de nuestro arte plástico y gráfico. Guiados por Tatlin (1885-1953) y por Alexander Rodchenko (1891-1956), en el año 1921, 25 artistas propusieron un punto de vista contrario, cuando renunciaron "al arte por el arte" para consagrarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista. Estos constructivistas hicieron un llamado a los artistas para que dejaran de producir cosas inútiles y se volviera hacia el cartel, porque tal trabajo pertenece ahora al deber del artista, como ciudadano de una comunidad que está barriendo el campo de viejos desperdicios, para prepararse para una vida nueva. Tatlin cambió de la escultura al diseño de una estufa que daría el máximo de calor como un mínimo de combustible; Rodchenko abandonó la pintura por el diseño gráfico y el periodismo fotográfico.

Uno de los primeros intentos para formular una ideología constructiva fue el folleto Konstruktivizm del año 1922, de Aleksei Gan (1893-1942). En e lcriticaba a los pintores abstractos por ser capaces de romper el cordón umbilical del arte tradicional y se jactaba de que el constructivismo se había trasladado del trabajo de laboratorio a la aplicación práctica. Gan escribió que los tres principios del constructivismo son la arquitectura, la textura y la construcción. La arquitectura representaba la unificación de la ideología comunista con la forma visual. La textura significaba la naturaleza de los materiales y cómo son empleados en la producción industrial. La construcción simboliza el proceso creativo y la búsqueda de leyes de organización visual. Quien mejor llevó a cabo el ideal constructivista fue El (Lazar Markovich) Lissitzky (1890-1941) pintor, arquitecto, diseñador gráfico y fotógrafo. Este visionario de energía y constancia inagotables influyó profundamente en el curso del diseño gráfico. En el año 1919, Marc Chagall, director de la Escuela de Arte en Vitebsk, invitó a Lisstinzky a unirse al cuerpo de profesores.

Malevich daba clases ahí y se convirtió en la influencia más importante para Lisstinzky, quien desarrolló un estilo de pintura al cual denominó PROUNS (abreviatura de "proyectos para el establecimiento -afirmación- de un arte nuevo"). En contraste con la llanura absoluta del plano pictórico de Malevich, PROUNS introdujo ilusiones tridimensionales que, al mismo tiempo, se alejaban de atrás del plano pictórico y se proyectaban hacia delante del plano pictórico (en cuanto a la profundidad positiva). Lissitzky llamaba PROUNS a "un estado de intercambio entre la pintura y la arquitectura". esto describe su síntesis de los conceptos de la arquitectura con la pintura; También muestra que el PROUNS señalaba el camino para la aplicación de los conceptos de la forma y del espacio en la pintura moderna al diseño aplicado. Al rebelarse contra las restricciones de la tipografía metálica, Lissitzky utilizaba a menudo la construcción con instrumentos de dibujo y maqueta para realizar sus diseños. En el año 1925, predijo acertadamente que el sistema de Gutemberg pertenecía al pasado y que los procesos fotomecánicos reemplazarían a los tipos de metal y abrirían nuevos horizontes para el diseño, tal como la radio había reemplazado al telégrafo.

Uno de los diseños gráficos de mayor influencia en los años veinte es el libro "Los istmos del arte 1914-1924", el cual fue editado por Lissitzky junto con el dadaísta Hans Arp. El formato desarrollado por Lissitzky para este libro constituye un paso importante en la creación de un programa visual par ordenar la información. La red de tres columnas utilizada para el texto, la red horizontal de tres columnas empleada para la portada y la estructura a dos columnas de la página de contenido se convirtió en un armazón arquitectónico para organizar las páginas ilustradas. Asimismo, la forma en que la tipografía sans-serif y las barras están tratadas es una expresión temprana del estilo modernista. En 1923, dio comienzo una batalla de 18 años contra la tuberculosis.

Después de regresar a Rusia en el año 1925. Lissitzky pasó la mayor parte del tiempo en grandes proyectos de exposiciones para el gobierno soviético, además de publicaciones, dirección artística y algunos proyectos de diseño arquitectónico. Lissitzky murió en diciembre de 1941, seis meses después de que Alemania invadiera Rusia. Por medio de su responsabilidad social y el compromiso con su pueblo, de su dominio de la tecnología para servir a sus propósitos y de su visión creativa. El Lisstzky estableció una pauta de excelencia para el diseñador. El inicio del fotomontaje en Rusia coincidió con el descubrimiento del montaje en la película cinematográfica y compartió parte de su vocabulario. Mostrar acciones simultáneas; sobreponer imágenes; usar acercamientos extremos e imágenes en perspectiva, a menudo juntos; y la repetición rítmica de una imagen constituyeron algunas de las técnicas comunes a ambos lenguajes. El concepto de la pintura en serie era aplicada por Rodchenko dentro del diseño gráfico en el año 1924.

Aunque el constructivismo persistió como una influencia en los gráficos soviéticos y el diseño industrial, pintores como Malevich, que no abandonó el país, fueron arrastrados a la pobreza y la obscuridad. Algunos artistas desaparecieron en el Gulag. Las innovaciones de este florecimiento artístico encontraron su desarrollo ulterior en Occidente. Sin embargo, la naturaleza del espíritu creativo tal, que a pesar de la estricta desaprobación oficial, el diseño gráfico innovador de la tradición constructivista continuó apareciendo de vez en cuando.

Arriba: modelo de un cartel

El Cartel

Un cartel, afiche o póster es una lámina de papel, cartón u otro material que sirve para anunciar o dar información sobre algo.

En la distribucion de los carteles, se colocan tanto en tienda como en el escaparate (en ocasiones, incluso, en el exterior) con el fin de anunciar precios de artículos u ofertas en marcha. Los carteles también se utilizan para colocar el nombre de departamentos y secciones con el fin de orientar a la clientela. En ambos casos, suelen incluir el logotipo y los colores corporativos de la cadena de distribución.

Los carteles se usan en merchandising para divulgar y apoyar campañas dentro del establecimiento tales como Rebajas, Semana Fantástica, Día del Padre, etc. Generalmente, se colocan pegados en las paredes, muebles o cabeceras de góndola, sobre pies metálicos o colgados del techo.

Los carteles también sirven para anunciar espectáculos o eventos culturales tales como:
conciertos
recitales
encuentros deportivos
circo
películas de cine
obras de teatro
ferias
exposiciones
corridas de toros

En dichos casos, se encolan en las paredes de los edificios donde tendrán lugar el acontecimiento u otros lugares de la ciudad habilitados al efecto. También existe una larga tradición de cartelería política que alcanza su máxima expresión en vísperas de unas elecciones en las que la ciudad se llena de láminas con fotos de los candidatos.

Los carteles políticos se empezaron a utilizar masivamente a partir de la Revolución Rusa y alcanzaron su máximo auge en España durante la República (1931-1939) y la Guerra Civil (1936-1939). En ella destacaron creadores como Carles Fontseré, Bardasano, Josep Renau y otros muchos, dando lugar al nacimiento de toda una técnica pictórica, propagandística y publicitaria desconocida hasta entonces en España.

El cartel luminoso

Cartel que se ilumina en la oscuridad por una serie de tubos de neón colocados dentro de una carcasa plástica. Dicho soporte traslúcido reproduce en varios colores el logotipo, la marca y otros mensajes gracias a la luz interior.

Los carteles luminosos son propios de las fachadas de establecimientos si bien también se encuentran en su interior promocionando sus productos o servicios. Son especialmente habituales en bares y restaurantes de comida rápida en donde informan de los menús, precios, ofertas, etc. La iluminación de imágenes también se ha vuelto habitual gracias al perfeccionamiento de la reproducción fotográfica sobre policarbonatos y otros materiales.

Los carteles luminosos pueden colocarse en diferentes posiciones:

Pegados al muro o la fachada del establecimiento, generalmente sobre la puerta
Perpendiculares a la fachada sujetos a ella por un soporte metálico.

Sus luces superpuestas conforman el paisaje habitual de muchas avenidas comerciales en el mundo.Formando esquina sobre la pared del establecimiento.
Independientes en forma de monolito luminoso.

Por tener el mismo principio, también se pueden considerar carteles a las imágenes iluminadas colocadas en el frontal de las máquinas expendedoras de bebidas, tabaco, alimentos, etc. y que se encuentran en numerosos establecimientos y lugares públicos. Estadísticas demuestran que un cartel es totalmente visualisado en un lapso de 12 segundos, por lo que un cartel complejo y errado en su diseño sería aquel que demande más de ese tiempo en ser comprendido.

El estilo eclectico en Europa 1870-1900

Durante las primeras Exposiciones universales de Londres (1851), Paris (1867), Viena (1873) y Filadelfia (1876), aparece una nueva visión del arte del mueble influenciada por las ideas del movimiento filosófico-espiritualista de Víctor Cousin.

Víctor Cousin (1792-1867) Filósofo idealista de la burguesía francesa, ecléctico. Afirmaba que cualquier sistema filosófico puede ser creado a base de «verdades» contenidas en diversas doctrinas. El Eclecticismo entonces se propone construir un sistema suficientemente amplio y vago para incluir, o para no excluir.

El eclecticismo, término tomado en la crítica y en el arte para denominar a un artista o estilo que combina rasgos tomados de varias fuentes, se implanta en Rusia a partir de 1825, con copias góticas de contenido orientalista. En Inglaterra, a partir de 1840, aparecen diferentes formas de revivals, el gótico revival es un estilo neogótico, aparecen también el estilo naturalista y el estilo Luís XIV, que es una especie de hibrido entre el rococó acolchado mezclado con formas naturalistas (motivos florales), el estilo egipcio revival, no es mas que un estilo Imperio disfrazado, muebles de influencia isabelina, mezclas de William and Mary, de Queen Ann. Entre 1890-1900 bajo la influencia de artistas como Burne-Jones subsiste durante algunos años un estilo céltico inspirado en la Edad Media, preludio y antesala del movimiento que surgiria posteriormente, el “Art and Crafts” Edward Burne-Jones, nacido en 1833 y fallecido en 1898, está considerado como uno de los pintores más personales y sugerentes del siglo XIX inglés.Desarrolló una visión medieval y romántica de la pintura, además de colaborar con William Morris en el diseño de vidrieras, tapices e ilustraciones editoriales.Estudió en Oxford, donde encontró a Morris, con el que le uniría una amistad que se prolongó toda su vida. En 1856 dejó Oxford sin acabar sus estudios y montó taller junto con su amigo.

En Alemania, el eclecticismo se inspira en el gótico, combinando aspectos decorativos con el rococó del siglo XVIII. Austria adopta tendencias del estilo Luis XV, incrementando los apliques de bronce, torneados y dorados de manera exagerada. En loa Paises Bajos, los ebanistas imitarán los muebles del siglo de oro y sobre todo, los grandes armarios marqueteados ricamente. Italia se acerca al estilo Luis Felipe, después se pasa al astiche renacentista a través de un estilo llamado dantesco

En España, se tienen las mismas dificultades que el resto de Europa para deshacerse de las influencias del estilo Imperio, el eclecticismo entra a través del estilo isabelino, que imita al gótico. El movimiento ecléctico, influenciado o historicista abarcara mas de un cuarto de siglo de éxito en todo el mundo, por eso este movimiento artístico eliminara los nombres de monarcas o regimenes políticos para denominar a los estilos decorativos, no volverán a nombrarse en el futuro. Analizando la composición de los muebles eclécticos, estos utilizan toda clase de maderas, ya sean doradas, pintadas, patinadas, etc. Materiales como los bronces dorados y plateados, esculturas, esmaltes, vidrio, lacas, marquterias, incrustaciones de marfil, piedras duras son utilizados normalmente, se empieza a trabajar con materiales de oriente como el rattan y fibras naturales.

El moviento del Arts and Crafts

Arts and crafts (artes y oficios) es un movimiento social y estético surgido en Inglaterra a finales del siglo XIX, que pretendía rescatar la importancia de lo artesanal frente a la creciente mecanización y la producción en serie. Su denominación procede de la “Arts and Crafts Exhibition Society” fundada en 1888, pero el movimiento artístico tuvo sus bases en las ideas de John Ruskin (1819-1900).

El critico de arte más influyente de su época, Ruskin pertenecía a la corriente romántica en su concepción de artista como profeta y maestro inspirado. Abogaba por un renacimiento del gótico y se puso en contra de los efectos de la revolución industrial. Influenciado por el arte gótico, publico una enorme cantidad de libros sobre literatura, pintura, arquitectura, escultura, estética y otros muchos sobre temas sociales. Sus ideas se popularizaron a través de sus libros e influyeron en el movimiento modernista naciente llamado Arts and Crafts, que empezaba a caracterizarse por un retorno a la naturaleza, formas graciosas, onduladas, delicadas, donde frecuentemente se ven reflejadas las formas de la naturaleza en flores, insectos, aves, peces e incluso en animales mitológicos como los dragones.

Diseñadores

WILLIAM MORRIS 1834-1896
El estilo arts and crafts deploraba la estética de la industrialización, así como sus efectos sociales. Revindicaba nostálgicamente los modelos de artesonado de los gremios medievales, el encargado de llevar sus ideas a la práctica y al que siguieron infinidad de artistas y diseñadores, fue el metódico y genial William Morris (1834-1896). Escritor, pintor, diseñador, artesano y reformador social ingles. Morris emprendió la tarea de recrear una industrial manual en la era de la maquina, produciendo su empresa “Morris and Company” telas, tapices, papeles pintados y muebles.

MACKAY HUGH BAILLIE SCOTT (1865-1945)

Uno de los exponentes del movimiento fue MACKAY HUGH BAILLIE SCOTT la carrera de Mackay empezó en la universidad agrícola de Cirencester, pronto decidió abandonar la tradición familiar de agricultores-ganaderos y eligió en su lugar estudiar arquitectura. Asumió pronto las directrices del movimiento “arts and Grafo” e influyeron en sus comienzos las ideas de William Morris y Ruskin. Después forjo su propio estilo distintivo, sobre todo a raíz de su matrimonio con Florenze, su diseño es una reacción a los cambios rápidos del momento, a la producción en masa y a la industria. Se inspiro del arte gótico y de la artesanía

Baillie scout describió a su clientela como “gente con sensibilidad artística pero de renta modesta” con esta idea inventó un nuevo tipo de vivienda espaciosa y armoniosa. Su interés por el diseño condujo a Baillie a producir muebles, telas,..e incluso los pianos para que armonizaran con el interior. Tuvo enorme éxito en Europa y durante su carrera le comisionaron para diseñar edificios, incluyendo la decoración del palacio de Hesse en Damstad, Acabo su carrera diseñando casas modestas en los suburbios britanicos.

Otro de los diseñadores representativos del movimiento arts and crafts fue PHILIP WEBB (1831-1915), arquitecto britanico, fue uno de los principales exponentes del movimiento "domestic revival". En su produccion destacaron la construccion de casas de campo en particular la "Red House" en Uptón (Kent) para W.Morris, que pone de manifiesto su adhesion a las teorias del Movimiento Arts and Grafts. Con William Morris fundó la sociedada para la protección de edificios antiguos (SPAB),diseño para Mprris tanto muebles como accesorios y todos los complementos de arquitectura.

Las formas de los muebles eran sencillas y verticales y hechas aplicando técnicas de ebanistería tradicional. Se utilizaban maderas nacionales, especialmente roble, que era encerado y se dejaba añejar naturalmente. Aparadores, cómodas y muebles similares eran decorados habitualmente de un modo sencillo, con formas recortadas, a veces embellecidas con peltre, cobre, marfil o cuero.Los bancos largos con respaldo alto y brazos eran el estilo de asiento preferido, al igual que las sillas rectas con altos respaldos y decorados con motivos recortados.

Principios de las Arts and Crafts

En el movimiento Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos éticos y políticos, tanto como estéticos. Destaco algunas de sus ideas:

· Rechazo de la separación entre arte y artesanía.

· Rechazo de los métodos industriales de trabajo.

· Propuesta de un regreso al medievo, en todas las artes aplicadas.

· La arquitectura como centro de todas las actividades del diseño.

· Agrupación de artesanos en gremios y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.

· Trabajo bien hecho, bien acabado y satisfacción tanto para el artista como para el cliente.

· El artesano es artista y un creador de obras de arte.

El Arts and Crafts

Arriba: fotografía de Willians Morris creador de las Arts and Crafts

Art and craf

El movimiento de las Arts & Crafts se inicia en Inglaterra y aunque en sus comienzos se ocupó de los productos artesanales dió lugar a una concienciación sobre el futuro de la industria y de los productos que allí se elaboraban.

El Arts & Crafts fue creado por William Morris (1834-1896), que perseguía una coherencia formal en los productos artesanales, siguiendo una concepción anticipada por protofuncionalistas como F. Weinbrenner, que en 1819 escribía que la belleza está en la concordancia total entre forma y función. Si William Morris no creía en las posibilidades culturales de los productos industriales, algunos de sus discípulos supieron aplicar sus ideas a la industria, rompiendo la contradicción que se mantenía entre las dos culturas.

El fuerte impacto producido por el establecimiento de la industria provocó una serie de transformaciones sociales, protagonistas de la historia del siglo XX. Entre éstas hay que citar las siguientes: a) La concentración de la clase obrera en las ciudades, generadora, a su vez, de una suburbización incontrolada; y b) la aparición de una nueva clase proletaria enajenada por el trabajo, condicionado por el ritmo de las máquinas y cuya impersonalidad provoca la in diferenciación de las aptitudes profesionales.

El catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Londres, sir Nikolaus Pevsner, situa los albores del Movimiento Moderno en arquitectura y en diseño en el gran edificio del Cristal Palace de Joseph Paxton, levantado en Londres para albergar la Exposición Universal de 1851, la primera de la historia. Hierro y cristal, dos tecnologías pioneras de la industrialización, aparecían aplicadas en aquella obra arquitectónica, la cual rompía los viejos cánones del clasicismo imperante en las construcciones de la época. Asimismo, William Morris, empresario, pintor, poeta y proyectista, se asoció a sus ideas, en un principio, formuló igualmente su crítica de oposición al producto industrial, reprochándole su masificación e indiferencia. Sin embargo, sus teorías definían los principios del diseño industrial al reconocer las posibilidades del objeto o de la imagen como portadores de unas cualidades estéticas, las cuales, según Morris, eran fruto de las cualidades artesanas y no de la máquina. Sus enseñanzas fueron recogidas y desarrolladas por algunos de sus discípulos, quienes intentaron liberarse de sus prejuicios antimecanicistas y de los ataques que Morris dirigió a la industria, cuando precisamente era ésta quien podía ofrecer, con la producción masiva, una economía en el precio de los objetos frente a la restringida producción artesana.

Lewis Day (seudónimo de Nicholas Blake), que también fue discípulo de Morris, escribió contrariando las opiniones del maestro: “Nos guste o no, la máquina, la fuerza motriz y la electricidad tendrán mucho que decir en el arte ornamental del futuro” (2). El fracaso de las ideas de Morris y sobre todo pretender cambiar la sociedad por el arte, se debió a que sus obras, tanto objetuales como gráficas (su trabajo como editor en la Kelmscott) eran de tanta calidad y tan caras que acabaron en manos de las élites burguesas y aristocráticas, como sucedería poco tiempo después con la mayor parte de los objetos Art Nouveau.

El movimiento ARTS & CRAFTS y sus relaciones

Las iniciativas para la reforma del ambiente desde Robert Owen a William Morris

1. Las utopías del siglo XIX, con su ideología socialista y libertaria, influyeron decisivamente en el pensamiento europeo occidental, fundamentalmente británico y francés. Sus protagonistas estaban ideológicamente próximos al socialismo utópico: el británico Robert Owen (New Lanark, New Harmony) y los franceses Charles Fourier (Falansterio), Jean Baptiste Godin (Familisterio) y Etienne Cabet (Icaria).

2. El movimiento para la reforma de las Arts & Crafts.

a) Antecedentes: Eugenio Viollet-le-Duc y Augusto Pugin.

b) Las Arts & Crafts:c) Sus relaciones:

1) Los Pintores Prerrafaelitas (The Raphaelite Brotherhood): Son un grupo de pintores británicos que se inspiran en Rafael, sus contemporáneos del Renacimiento y los pintores anteriores del Trecento y Quattrocento italiano (Giotto, Fra Angelico, Masaccio, Benozzo Gozzoli, Boticelli, Miguel Angel). Son equivalentes a los Nabis y simbolistas franceses y a los Nazarenos alemanes. John Ruskin (Lecture, 1853) decía: “El prerrafaelismo tiene un solo principio, el de absoluta y obstinada veracidad en todo lo que hace, alcanzada gracias a trabajarlo todo, hasta el más mínimo detalle, del natural y sólo del natural. Cada fondo de paisaje prerrafaelita se pinta hasta la última pincelada al aire libre, a partir del propio motivo”.

2. Además, estaría el pintor, ilustrador y diseñador gráfico Aubrey Vincent Beardsley (1872-1898), cercano a los círculos de Morris, pero sin participar en el movimiento. Y algunos de los conspiradores en la conjura del mundo de la cultura decimonónica contra la mujer, como los pintores Lord Leighton y Lawrence Alma-Tadema (6), pintores de la mujer-objeto.3. Los Nazarenos: Pintores alemanes o del área germánica protestantes, simbolistas y herméticos, que de repente se convierten al catolicismo y se van a vivir a Roma para estar más cerca del Papa y del Vaticano. Entre ellos están F. Overbeck, Carl Schwabe, E. Fabry, P.C. Lasinio y Ferdinand Khnopff.

La figura de William Morris

El medievalismo formal que invade Europa desde el segundo cuarto del siglo XIX, dando lugar a ese fenómeno cultural denominado Romanticismo o Historicismo medievalizante, tuvo un origen bicéfalo en Inglaterra y en Francia, de la mano de dos figuras paralelas y, en cierto modo complementarias, John Ruskin en Inglaterra y Eugene Viollet-le-Duc en Francia. Ambos eran defensores del estilo gótico y la naturaleza, y propagaron sus ideales desde plataformas distintas.

Biografía

William Morris fue en realidad un novelista utópico, poeta, ensayista, diseñador o proyectista, artista, pintor, artesano y uno de los pioneros del socialismo en Inglaterra. Fue un intelectual cuya preocupación por los valores artísticos y humanos le llevó a trasladar la problemática de las artes desde el plano meramente estético, cuya importancia siempre supo valorar, al campo ético y social, anticipándose a concepciones netamente actuales por haber previsto las nefastas consecuencias artísticas y humanas de la mercantilización.

Hay que destacar de su biografía los siguientes acontecimientos:

Nació el 24 de marzo de 1834 en Elm House, ALAI Hill Walthamstow (Inglaterra); su padre murió cuando él era muy joven; estudió en el Malborough College y en el Exeter College de Oxford. Ingresó, junto con Edward Burne-Jones, en una “Hermandad” (Brotherhood) cuyo fin era llevar a cabo una “cruzada contra su época”. Visita Bélgica y el norte de Francia. Junto con Burne-Jones y otros amigos funda la publicación mensual Oxford and Cambridge Magazine en 1856. Este año trabaja con el arquitecto G.E. Street y conoce a Philip Webb. Se traslada a Londres con E. Burne-Jones; a finales de año, e influenciado por Dante Gabriel Rossetti, decide abandonar la arquitectura como profesión y dedicarse a la pintura. En 1857 conoce a Jane Burden, futura Jane Morris, a la que retrata como Isolda. Publica un libro de poemas.

Arquitectura e interiorismo en las ARTS & CRAFTS

La búsqueda de un nuevo estilo se inició en Inglaterra, donde William Morris (1834-1896) creó las Arts & Crafts Society, especie de asociación para el estudio de las Artes y Oficios, en la que se realizaban, de modo artesanal, numerosas piezas para la ambientación de los edificios y se diseñaban objetos a fin de hermanar arte e industria.

Las teorías de Morris encontraron en su rival ideológico, el pintor impresionista norteamericano James McNeill Whistler (1834-1903), uno de sus mejores realizadores en el campo de la decoración de interiores; a él se debe la famosa Sala de los Pavos Reales, ejecutada entre 1876 y 1877 en Londres (en un edificio construido por el arquitecto Jeckyll), y hoy conservada en la Galería Freer de Washington. La Sala presenta una concepción goticista, tan de moda en ese momento neogótico, pues se trata de un espacio único funcional, ambientado con las pinturas de los pavos reales que desmaterializan el muro, a semejanza de las vidrieras en el gótico; el mobiliario y los detalles decorativos verticales de las estanterías acentúan precisamente la verticalidad propia del goticismo; y, finalmente, el techo con sus nervaduras hace referencia a las bóvedas del gótico perpendicular inglés, típico del Tudor y de la Capilla de Enrique VII en Westminster y el Trinity College de Oxford, con claves pinjantes, que Whistler aprovecha para colocar los puntos de luz. Todo ello supone una conceptualización de las formas góticas y su aplicación a la estética decimonónica.

El diseño industrial y el Arts and Crafts

En el movimiento Arts & Crafts británico participaban arquitectos y diseñadores progresistas (para la época) cuyo objetivo era reformar el diseño y la sociedad mediante un retorno a la artesanía. Horrorizados por las consecuencias medioambientales y sociales de la industrialización y por la multiplicidad de productos industriales profusamente decorados y de baja calidad, los “diseñadores” de mediados del siglo XIX como William Morris lideraron una cruzada contra su época defendiendo un enfoque más simple y ético hacia el diseño y la industria. La desconfianza hacia la producción industrial, que había convertido a los buenos artesanos en “esclavos del sueldo”, favoreció la recuperación de la artesanía tradicional a través del diseño y la ejecución de objetos de gran calidad que además de ser útiles eran hermosos.

Más que intentar reformar la producción industrial derivada del comercio, los primeros integrantes del movimiento Arts & Crafts pretendían promover la democracia y la cohesión social a través de la artesanía. En una sociedad cada vez más capitalista, Morris fue un socialista comprometido que poseía una visión utópica en la que la artesanía ofrecía la salvación moral de trabajadores y consumidores. Lo que más le preocupaba era la compartimentación del proceso industrial, porque, en su opinión, la división del trabajo minaba el bienestar de los trabajadores y debilitaba el arte en general. Morris sólo aceptaba la mecanización si producía objetos de calidad y reducía la carga de los trabajadores en vez de incrementar sólo su productividad. La paradoja era que los productos artesanales de Morris & Co. eran más caros de producir y sólo podían ser adquiridos por los miembros más ricos de la sociedad.

Tipografía, los medios impresos y el barroco

La Tipografía

El origen de nuestros actuales alfabetos (sistemas de signos abstractos que representan sonidos articulados) hay que buscarlo en la remota antigüedad, en el primigenio el uso de signos y símbolos era para representar los elementos naturales y actividades cotidianas. El primer pictograma (dibujo representando un objeto o una idea sin que la pronunciación de tal objeto o idea sea tenida en cuenta) del que tenemos constancia se remonta al año 3.500 a.C., y es una tablilla en pieza caliza hallada en la ciudad de Kish (Babilonia).

Más tarde, los sumerios desarrollaron ideogramas (símbolos que representan ideas asociadas menos concretas), sistema que fue desarrollándose hasta dar lugar al sistema cuneiforme sumerio de escritura, basado en sílabas que imitaban el lenguaje hablado. Un ejemplo de escritura de este tipo es la tablilla hallada en Ur, fechada sobre el 2900-2600 a. C., que describe una entrega de cebada y comida a un templo.


La evolución posterior de este sistema silábico dio lugar a la escritura cuneiforme (2.800 a.C.), que utiliza lo que podemos considerar como el primer alfabeto, cuyas letras se imprimían sobre arcilla usando una cuña.


De esta época datan multitud de tablillas que contienen textos económicos, religiosos, poéticos, y legales, como el famoso código de Hammurabi, uno de los documentos jurídicos más antiguos que existen.

Sobre el año 1.500 a.C. se desarrollaron en Egipto tres alfabetos (jeroglífico, hierático y demótico). De ellos el jeroglífico (mixto ideográfico y consonántico), basado en 24 símbolos consonantes, era el más antiguo.

Los fenicios adoptaron este alfabeto egipcio 1.000 años antes de Cristo, usando para escribir pieles y tablillas enceradas, y también lo transmitieron por el mundo civilizado, de tal forma que poco después fue adoptado también por los hebreos y los arameos, sufriendo con el tiempo una evolución propia en cada un de estas culturas.

El alfabeto fenicio fue también adoptado por etruscos y griegos, y de ellos lo fue por los romanos, que en el siglo I ya manejaban un alfabeto idéntico al actual, a falta de la J, la W y la V. El Imperio Romano fue decisivo en el desarrollo del alfabeto occidental, por crear un alfabeto formal realmente avanzado, y por dar la adecuada difusión a este alfabeto por toda Europa conquistada, ya que muchas lenguas que no tenían sistema propio de escritura adoptaron el alfabeto romano o latino.

La escritura romana adoptó tres estilos fundamentales: Quadrata (mayúsculas cuadradas romanas, originalmente cinceladas en piedra), Rústica (versiones menos formales y más rápidas en su ejecución) y Cursiva (modalidades de inclinación de las mayúsculas). Partiendo del modelo fenicio-nabateo se desarrolló también, alrededor del siglo IV d. C, el alfabeto árabe, formado por 28 consonantes y en el que, al igual que el resto de alfabetos semíticos, se escribe sin vocales, de derecha a izquierda.

En occidente el alfabeto romano fue evolucionando y, en el siglo X, en el monasterio de St. Gall, en Suiza, se desarrolló un nuevo tipo de letra comprimida y angulosa, la letra gótica, más rápida de escribir y que aprovechaba mejor el papel, factores importantes en un momento que la demanda de escritos se había incrementado notablemente, escritos que se realizaban a mano, primeramente en pergaminos y luego, a partir del año 1.100, en papel. La letra gótica se difundió por toda Europa, surgiendo diferentes variantes (Textura, Littera Moderna, Littera Antiqua, Minúscula de Niccoli,, etc.). En 1.450 se produjo uno de los hechos más importantes para el desarrollo de la Tipografía y de la cultura humana: Johann Gutenberg (1398 – 1468) inventa a la vez los caracteres móviles y la prensa, creando la imprenta. El primer texto occidental impreso, la "Biblia de 42 líneas" de Mazarino, sale en 1.456, al parecer de la imprenta de Gutenberg.

El trabajo de impresión posibilitó el uso de nuevos tipos de letra. En 1470 Nicolas Jenson graba el primer tipo en estilo romano inspirándose en las Quadratas romanas, en 1.495 Francesco Griffo diseña el tipo conocido como Bembo, en 1.501 Francesco de Bolonia diseña para el veneciano Aldo Manucio el primer tipo mecánico cursivo y en 1.545 el impresor francés Claude Garamond crea una fundición y comienza a fundir un tipo más informal que la letra romana trajana, basado en el trazo de la pluma de ave. Desde entonces, multitud de tipógrafos aportaron su granito de arena a la creación de nuevas fuentes, entre los que destacan Alberto Durero, Giambattista Bodoni, Fournier, Didot, Caslon, Baskerville, Bodoni y, ya en el siglo XX, Max Meidinger (creador de la fuente Helvetica en 1.957), Cooperplate y Novarese.

Las Familias Tipografícas

Una familia tipográfica es un grupo de signos escriturales que comparten rasgos de diseño comunes, conformando todas ellas una unidad tipográfica. Los miembros de una familia (los tipos) se parecen entre si, pero también tienen rasgos propios. Las familias tipográficas también son conocidas con el nombre de familias de fuentes (del francés antiguo fondre, correspondiente en español a derretir o verter, refiriéndose al tipo hecho de metal fundido). Una fuente puede ser metal, película fotográfica, o medio electrónico. Existen multitud de familias tipográficas. Algunas de ellas tienen más de quinientos años, otras surgieron en la gran explosión creativa de los siglos XIX y XX, otras son el resultado de la aplicación de los ordenadores a la imprenta y al diseño gráfico digital y otras han sido creadas explícitamente para su presentación en la pantalla de los monitores, impulsadas en gran parte por la web. Unas y otras conviven y son usadas sin establecer diferencias de tiempo, por lo que es necesario establecer una clasificación que nos permita agrupar aquellas fuentes que tienen características similares. Son muchos los intentos por lograr agrupar las formas tipográficas en conjuntos que reúnan ciertas condiciones de igualdad. Generalmente están basados en la fecha de creación, en sus orígenes dentro de las vertientes artísticas por las que fueron influenciadas o en criterios morfológicos.

Los sistemas de clasificación de fuentes más aceptados es el de Maximilien Vox (1954) que divide las familias en:
Humanas
Garaldas
Reales
Didonas
Mecanos
Lineales
Incisas
Scriptas
Manuales

La clasificación de Robert Bringhurst Divide las fuentes en:
Renacentistas
Barrocas
Neoclásicas
Románticas
Realistas
Modernistas geométricas
Modernistas líricas
Posmodernistas

Clasificaciones ATypI La ATYPI (Asociación Tipográfica Internacional), con objeto de establecer una clasificación general de las familias tipográficas, realizó en 1964 una adaptación de la clasificación de Maximilien Vox, conocida comoVOX-ATypI.

Esta clasificación está relacionada también con la evolución de las familias tipográficas a lo largo de la historia, aunque modifica ciertos elementos de la clasificación de VOX..

Otra clasificación de fuentes de la ATypI, evolución de la anterior, es la basada en la agrupación de fuentes por características comunes, normalizada con el nombre DIN 16518. Divide las familias tipográficas en los siguientes grupos:

Romanas Formado por fuentes que muestran influencias de la escritura manual, en concreto de la caligrafía humanista del s. XV, y también de la tradición lapidaria romana, donde los pies de las letras se tallaban para evitar que la piedra saltase en los ángulos. Las fuentes Romanas son regulares, tienen una gran armonía de proporciones, presentan un fuerte contraste entre elementos rectos y curvos y sus remates les proporcionan un alto grado de legibilidad.

Las Romanas se dividen cinco grupos fundamentales:

Antiguas: también llamadas Garaldas (por Garamond), aparecen a fines del siglo XVI en Francia, a partir de los grabados de Grifo para Aldo Manuzio. Se caracterizan por la desigualdad de espesor en el asta dentro de una misma letra, por la modulación de la misma y por la forma triangular y cóncava del remate, con discretas puntas cuadradas. Su contraste es sutil, su modulación pronunciada, cercana a la caligrafía, y su trazo presenta un mediano contraste entre finos y gruesos. Entre ellas destacan las fuentes Garamond, Caslon, Century Oldstyle, Goudy, Times New Roman y Palatino.

De Transición: se manifiestan en el siglo XVIII y muestran la transición entre los tipos romanos antiguos y los modernos, con marcada tendencia a modular más las astas y a contrastarlas con los remates, que dejan la forma triangular para adoptar la cóncava o la horizontal, presentando una gran variación entre trazos. Esta evolución se verificó, principalmente, a finales del siglo XVII y hasta mediados del XVIII, por obra de Grandjean, Fournier y Baskerville. Ejemplos de este grupo son las fuentes Baskerville y Caledonia.

Modernas: aparecen a mediados del siglo XVIII, creadas por Didot, reflejando las mejoras de la imprenta. Su característica principal es el acentuado y abrupto contraste de trazos y remates rectos, lo que origina fuentes elegantes a la vez que frías. Sus caracteres son rígidos y armoniosos, con remates finos y rectos, siempre del mismo grueso, con el asta muy contrastada y con una marcada y rígida modulación vertical. Resultan imponentes a cuerpos grandes, pero acusan cierta falta de legibilidad al romperse los ojos del carácter, al componerse a cuerpos pequeños y en bloques de texto corrido. Ejemplos destacables podrían ser Firmin Didot, Bodoni, Fenice y Modern Nº 20.

Mecanos: son un grupo aislado que no guarda ninguna semejanza constructiva con el resto de los tipos romanos con remate, tan solo el hecho de poseer asiento sus caracteres. No tienen modulación ni contraste. Entre sus fuentes podemos destacar Lubalin y Stymie.

Incisas: otro grupo aislado dentro de las romanas, al igual que las mecanos, son letras en la tradición romana más antigua, ligeramente contrastadas y de rasgo adelgazado ahusado. No se puede hablar de remates, pero sus pies abocinados sugieren, tal como ocurre con las serif, una línea imaginaria de lectura. Su ojo grande y sus ascendentes y descendentes finos, hacen de él un tipo que, aunque es extremadamente difícil de digitalizar, es muy legible a cualquier cuerpo. A pequeña escala, puede confundir y parecer de palo seco al perderse la gracia de su rasgo. Como ejemplos podemos citar las fuentes Alinea y Baltra.

Palo Seco Las fuentes Palo Seco se caracterizan por reducir los caracteres a su esquema esencial. Las mayúsculas se vuelven a las formas fenicias y griegas y las minúsculas están conformadas a base de líneas rectas y círculos unidos, reflejando la época en la que nacen, la industrialización y el funcionalismo.

También denominadas Góticas, Egipcias, Sans Serif o Grotescas,

de dividen en dos grupos principales:

Lineales sin modulación: formadas por tipos de un grosor de trazo uniforme, sin contraste ni modulación, siendo su esencia geométrica. Admiten familias larguísimas, con numerosas variantes, aunque su legibilidad suele ser mala en texto corrido. Ejemplos de este tipo serían Futura, Avant Garde, Eras, Helvética, Kabel y Univers.

Grotescas: caracterizadas porque el grosor del trazo y el contraste son poco perceptibles y por ser muy legibles en texto corrido. La principal fuente de este tipo es Gill Sans.

Rotuladas Las fuentes rotuladas advierten más o menos claramente el instrumento y la mano que los creó, y la tradición caligráfica o cursiva en la que se inspiró el creador.

Existen tres grupos principales de fuentes rotuladas:

Caligráficas: aglutina familias generadas con las influencias más diversas (rústica romana, minúscula carolingia, letra inglesa, caracteres unciales y semiunciales), basadas todas ellas en la mano que las creó. Con el tiempo la escritura caligráfica se hizo cada vez más decorativa. En la actualidad se utiliza en invitaciones a ceremonias o determinados acontecimientos. Como ejemplos de este tipo podemos citar las fuentes American Uncial, Commercial Script, Cancelleresca Seript, Bible Seript Flourishes, Zapf Chancery, Young Baroque.


Góticas: de estructura densa, composición apretada y verticalidad acentuada, manchan extraordinariamente la página. Además, no existe conexión entre letras, lo que acentúa más su ilegibilidad. Ejemplos de este tipo son Fraktur, Old English, Koch Fraktur, Wedding Text, Forte Grotisch.

Cursivas: suelen reproducir escrituras de mano informales, más o menos libres. Estuvieron muy de moda en los años 50 y 60, y actualmente se detecta cierto resurgimiento. Ejemplos: Brush, Kauffman, Balloon, Mistral, Murray Hill, Chalk Line y Freestyle Script.
Decorativas Estas fuentes no fueron concebidas como tipos de texto, sino para un uso esporádico y aislado.

Existen numerosas variaciones, pero podemos distinguir dos grupos principales:

Fantasía: similares en cierto modo a las letras capitulares iluminadas medievales, resultan por lo general poco legibles, por lo que no se adecuan en la composición de texto y su utilización se circunscribe a titulares cortos. Ejemplos de este tipo son las fuentes Bombere, Block-Up, Buster, Croissant, Neon y Shatter.

Época: pretenden sugerir una época, una moda o una cultura, procediendo de movimientos como la Bauhaus o el Art Decó. Anteponen la función a lo formal, con trazos sencillos y equilibrados, casi siempre uniformes. Muy utilizados en la realización de rótulos de señalización de edificios y anuncios exteriores de tiendas. Ejemplos de este grupo son Futura, Kabel, Caslon Antique, Broadway, Peignot, Cabarga Cursiva, Data 70, LCD, Gallia.

Variantes de una familia Dentro de cada familia

las variables tipográficas permiten obtener diferentes soluciones de color y ritmo. Las variables constituyen alfabetos alternativos dentro de la misma familia, manteniendo un criterio de diseño que las "emparenta" entre sí.

Las variaciones de una fuente se obtienen modificando propiedades como:

El cuerpo o tamaño: mayúsculas, minúsculas y capitales.

El grosor del trazado: ultrafina, fina, book, redonda, media, seminegra, negra y ultranegra.

La inclinación de los ejes: redonda, cursiva e inclinada.

La proporción de los ejes: condensada, comprimida, estrecha, redonda, ancha, ensanchada y expandida.

La forma del trazado: perfilada, sombreada, etc.
Otras variantes de una fuente incluyen versalitas, números, números antiguos, símbolos de puntuación, monetarios, matemáticos y misceláneos, etc.
Algunas familias poseen muchas variaciones, otras sólo unas pocas o ninguna, y cada variación tiene un uso y una tradición, que debemos reconocer y respetar.

La Evolución de los Medios Impresos

Al lado: foto que respresenta la gran variedad de medios de

comunicación como por ejemplo: las revistas y los periodicos.

Los medios impresos de comunicación son muy antiguos, los pueblos de la antigüedad dejaban constancia de su vida y costumbres utilizando papiros, códices, pinturas, estelas jeroglíficas.

Con la invención del alfabeto, aprender a leer y escribir fue más fácil y la comunicación impresa estuvo al alcance de más personas. La introducción de la imprenta la producción de libros se multiplico. En Alemania, más de 150 años después apareció por primera vez un diario.Los diarios circulan todos los días, en ellos podemos encontrar información de todo tipo, desde política hasta deportes, pasando por economía, espectáculos, viajes, gastronomía, cultura.

Las revistas, en tanto tienen una circulación semanal, quincenal o mensual, según sea el caso, existen revistas especializadas en los múltiples aconteceres de la vida nacional e internacional como la moda, política, deportes, cultura, cine, etc.

Desarrollo de las innovaciones más importantes que han ayudado al desarrollo de los medios impresos:

3500 a.C. - Pictogramas en tablillas de barro se utilizaban en Sumeria para describir eventos.
1500 a.C. - Alfabeto fenicio.
1270 a.C. - Un erudito sirio recopila la primera enciclopedia.
775 a.C. - Alfabeto fonético griego escrito de izquierda a derecha.
500 a.C. - Precursor del telégrafo desarrollado en Grecia. Se utilizaban trompetas, tambores y humo como señales de mensajes.- Precursor del Pony Express en pleno uso en Persia.- Pluma y tinta son utilizados por eruditos chinos.
100 d.C. - Correo gubernamental romano es distribuido en todo el imperio por "couriers".
105 d.C. - T'sai Lun inventa el papel.
450 d.C. - En China se utiliza la tinta en los sellos estampados en papel (desarrollo de la impresión).
600 d.C. - Se imprimen libros en China.
950 d.C. - Libros plegables aparecen en China en lugar de los rollos.
1035 - Papel desechado es utilizado para fabricar nuevo papel en Japón (primer reciclaje conocido).
1049 - Pi Sheng fabrica el tipo móviles utilizando arcilla.
1241- Letras o tipos de metal se inventan en Corea.
1392 - Se utiliza la fundición para hacer caracteres de bronce en Corea.
1423 - Los europeos comienzan a utilizar el método chino de impresión en bloque.
1450 - Panfletos noticiosos comienzan a circular en Europa.
1451 - Johannes Gutemberg utiliza una prensa para imprimir un viejo poema alemán.
1452 - Se utilizan platos de metal en la impresión.
1453 - Gutemberg imprime la Biblia de 42 líneas en cada página.
1490 - Impresión de libros en papel se hace más común en Europa.
1500 - 10 millones de copias de 35 mil libros han sido impresos en Europa.
1609 - Aparece en Alemania el primer periódico regularmente impreso.
1631 - Los periódicos franceses incluyen anuncios clasificados.
1689 - Los periódicos se imprimen como hojas desplegables
1833 - El profesor de matemáticas de la Universidad de Cambridge Charles Babbage (1792-1871) ideó la primera máquina procesadora de información. Algo así como la primera computadora mecánica programable. Pese a que dedicó casi cuarenta años a su construcción, murió sin terminar su proyecto.
1886 - La máquina linotipia se inventa para imprimir tipos.
1890 - Los cartones perforados y un primitivo aparato eléctrico se usaron para clasificar por sexo, edad y origen a la población de Estados Unidos. Esta máquina del censo fue facilitada por el ingeniero Herman Hollerith, cuya compañía posteriormente se fusionó (1924) con una pequeña empresa de Nueva York, creando la International Business Machines (IBM), empresa que un siglo más tarde revolucionó el mercado con los computadores personales o PC.
1892 - Imprenta rotativa de cuatro colores.- Máquinas de escribir portátiles.
1901 - Primera máquina de escribir eléctrica, la Blickensderfer
1941- Konrad Suze presentó el Z3, el primer computador electromagnético programable mediante una cinta perforada.
1944 - En 1939, Howard Aiken (1900-1973), graduado de física de la Universidad de Harvard, logró un convenio entre dicha universidad e IBM, por el que un grupo de graduados inició el diseño y la construcción del primer computador americano, del tipo electromecánico -basado en electroimanes. El Mark I comenzó a funcionar en 1944.
1971 -Intel construye el microprocesador, "una computadora en un chip".
1981- IBM lanzó al mercado el IBM PC, diseñado por doce ingenieros dirigidos por William C. Lowe.

El Jardin Barroco Francés

Escenario del poder y la visión de la naturaleza

Arriba: muestra fotográfica de un jardin al estilo barroco

En un clima en el que aún están presentes la idea de indiferenciación entre arte y naturaleza, la visión mágica del universo -inspirada en ideas neoplatónicas y cultivada por la cultura hermética del siglo XVI- y el carácter lúdico del Manierismo, surge en la Europa del siglo XVII una concepción renovada del mundo que se manifiesta en el desarrollo del teatro como expresión ilusionista de lo sobrenatural y, con especial plenitud, en el jardín barroco francés. Desde esta nueva perspectiva se promueven la apreciación científica y el carácter solemne del universo a través de la vindicación del poder del artificio sobre la naturaleza, esto es, del poder de la razón y del orden sobre lo aparentemente irracional y desordenado.

Cabe mencionar que, en estas fiestas cortesanas, las mascaradas y demás representaciones teatrales juegan un papel fundamental en la impresión del público; de allí que se establezcan escenarios fijos dentro de los jardines barrocos (que tiempo después son sustituidos por teatros cerrados a los que se asocian las cortes en busca de innovadores efectos lumínicos). En general, durante esta época, movido por las mismas ideas de la retórica y el espectáculo, el arte de la jardinería mantiene una relación tan estrecha con al arte escénico que resulta directamente enriquecido por elementos propios del montaje teatral, tales como las perspectivas pintadas y los arcos de triunfo.

La función simbólica del jardín barroco francés resulta obvia antes de que éste acoja a las representaciones teatrales y funcione como escenario de fiestas. El diseño arquitectónico propiamente dicho, sobre todo en los jardines de André Le Nôtre -los del Palacio de Versalles y los del Castillo Vaux-le-Vicomte- muestra claramente cómo, a través de la subordinación de la naturaleza al artificio, el espacio se transforma en imagen del poder de la razón y, más específicamente, de la omnipotencia monárquica. En este sentido, la geometría implacable en la organización de los elementos del jardín es verdaderamente reveladora. Aguas, plantas y objetos de especial importancia -como estatuas- se distribuyen en función de la armonía -volumétrica y cromática- y unificación de un plano visual concebido de acuerdo a la perspectiva se tiene desde el punto central reservado para el palacio. De esta manera, los jardines se convierten en la expresión de un mundo cuyo espacio privilegiado está ocupado por la monarquía, cuyo orden -contrapuesto al desorden exterior de la forma azarosa de la naturaleza- está dictaminado por ella, y sobre el cual el rey tiene completa visibilidad, metáfora del dominio absoluto.
La ciencia, merece especial mención el recurso de la perspectiva ya que, aparte de proveer la unificación visual del jardín, permite jerarquizar los elementos dentro del espacio de acuerdo a su cercanía con el eje central, esto es, crear un orden aún más detallado dentro del universo regido por la monarquía, ofrecer una visión más precisa del nivel jerárquico del rey y los miembros de la corte con respecto al resto de la sociedad. Además, la perspectiva colabora al simbolismo del jardín en tanto crea la ilusión de infinitud de su terreno que, desprovisto de elementos demarcadores de fronteras, representa así el poder ilimitado de monarca.

Es importante notar cómo las condiciones naturales están supeditadas a un plan teórico ideal. Así como en ocasiones se aprovecha la elevación topográfica original del área que ha de ocupar el palacio, para privilegiar aún más la posición monárquica, otras veces se transforma por completo un suelo infértil, se regulariza el curso de un río o se allana el terreno para hacerlo parecer infinito y así elaborar a la perfección una metáfora del poder absolutista.Tambien persiste en el jardín barroco francés un cierto sentido lúdico. Por ello, algunas áreas marginadas respecto al centro palaciego obedecen a funciones no oficiales, tales como el retiro del rey, y se muestran desobedientes al lenguaje formal propio de la visión ordenada de la naturaleza y del simbolismo del poder. En cierto sentido, puede considerarse lúdica la continua transformación y ampliación de parques como los de Versalles: la desaparición de elementos no transformables, la presencia efímera de escenarios para fiestas y representaciones teatrales y la renovación periódica de esculturas, flores y agua de las fuentes, entre otras.

Tras la popularización temporal del jardín a la francesa en gran parte de Europa, la adopción del Rococó (promovida por el rechazo del racionalismo y la necesidad de intimidad y misterio poético) puede ser comprendida como la consecuencia natural de un proceso que cultivó la autoridad del artificio.